REDES MODULARES COMPLEJAS

Publicado 2 noviembre 2016 por departamentodedibujo
Categorías: General, REDES MODULARES, Trazados geométricos

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Bodegones

Publicado 4 diciembre 2014 por departamentodedibujo
Categorías: General

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Técnicas y Materiales Pictóricos

Publicado 3 febrero 2014 por departamentodedibujo
Categorías: Técnicas y procedimientos.

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DEFINICIONES BÁSICAS:

PINTURA: Suma de un pigmento más un aglutinante.

PIGMENTO*: Material sólido de color en forma de partículas que se mantienen en suspensión con el aglutinante formando un cuerpo: pintura. No tiñe al medio al que se incorpora.

AGLUTINANTE: Sustancia que se mezcla con el pigmento, sirve para unir las partículas de color entre sí y éstas al soporte.

~ NATURAL: -Vegetal: -Goma arábiga – acuarelas

-Goma de tragacanto – pasteles

-Animal: -Yema de huevo

-Cola de conejo

-Caseína

~SINTÉTICO: -Termoplásticas -PVA (emulsión acuosa de un plástico) – no exteriores.
(al agua o disolvente)
-Acrílico – vale para exterior e interior (resistente).

-Termoestables – ni con fuerza ni calor recupera elasticidad. Ej: poliuretano.

COLORANTE: Orgánico, soluble en agua, alcohol o éter, tiñen el líquido y no tienen cuerpo, forman un líquido que tiñe.

DILUYENTE: líquido utilizado para disminuir la consistencia de un color preparado con el aglutinante.

DISOLVENTE: líquido que dispersa un sólido para formar una solución. Ej: Acetona (acrílico).

CARGA: Material de origen mineral químicamente inerte, no higroscópico, escaso poder colorante con óleo (gana volumen, pero no absorbe color por lo que deja de pintar), con ligantes acuosos, da cuerpo, paso y opacidad… Ej: Creta, yeso, caolín, mármol en polvo.

MEDIOS de pintura: Aditivos para diferentes efectos, como dar más brillo, retardadores o aceleradores de secado, geles voluminosos (veladuras), geles de texturas…

SOPORTES: -Duros: Muro, madera, pizarra, cobre, marfil…

-Flexibles: Tela, papel, cuero…

LEYENDA DE PINTURAS: Opaca, cubriente.

Veladura, transparentosa.

Semicubriente

*TIPOS DE PIGMENTOS

INORGÁNICOS ORGÁNICOS

MINERALES NATURALES SINTÉTICOS
A partir de minerales, Derivados vegetales o animales.

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TÉCNICAS PICTÓRICAS:

La pintura es la manifestación artística más conocida y los pintores son los artistas más populares porque durante siglos ha recreado formas de la naturaleza reconocidas por el público y porque ha sido, de todas las disciplinas artísticas, la que ha estado más al alcance del gran público hasta el siglo XX.

En la pintura hay dos materiales imprescindibles. El soporte y los pigmentos. Los soportes más habituales son el muro, la tela la madera y el papel, aunque cualquier superficie es susceptible de ser pintada. Cada soporte tiene unas características diferentes y se adapta mejor a unas técnicas determinadas. Desde el Renacimiento, el soporte utilizado más frecuentemente es la tela.

Las técnicas se diferencian por las mismas cualidades plásticas del soporte, el tipo de aglutinante de la pintura y la forma de fijarla al soporte.

Pintura al fresco

La pintura al fresco es la técnica más usual en la pintura mural. Requiere una adecuada preparación del muro, con diversas capes de rebozado, y se pinta encima de la capa superficial del encalado mientras está húmedo.

La pintura al fresco requiere una gran precisión ya que no permite ninguna rectificación. El primer paso es hacer un dibujo preparatorio, la sinopia, que permite fijar los contornos y marcar las jornadas en que se realizará la obra.

Para evitar los problemas derivados de tener que trabajar rápidamente y con poco margen para la corrección de errores, en ocasiones se recurre a la técnica del fresco seco que aplica la pintura a la pared casi seca y remata la obra con colores mezclados con agua de cal.

Pintura al temple

La pintura al temple es una técnica muy antigua, utilizada ya por los egipcios en la pintura mural; durante la Edad Media se utilizaba frecuentemente para la pintura sobre tabla. Los grandes maestros del Trecento perfeccionaron la técnica, utilizando yema de huevo mezclado con colas como aglutinante. Cuando la pintura está seca, conviene protegerla con una capa de barniz.

En ocasiones, el temple se añadía a la pintura al fresco, formando una técnica mixta. Una variante del temple es la encáustica, que aglutina los pigmentos con cera de abeja. Esta técnica da un acabado brillante y muy resistente a la humedad.

La pintura al óleo

La pintura al óleo es una técnica pictórica en la que el aglutinante de los colores es un aceite de origen vegetal y que se adapta bien a cualquier tipo de soporte. Los pintores flamencos del siglo XV popularizaron su uso en la pintura sobre tabla. Los grandes maestros venecianos del siglo XVI generalizaron su uso sobre el lienzo fijado a un bastidor de madera. Desde ese momento, la pintura al óleo se ha transformado en la técnica más utilizada en la pintura de caballete hasta el siglo XX.

De la calidad de los pigmentos y del aglutinante, del soporte y de la imprimación (capa base que se aplica antes de comenzar a pintar) dependerá la calidad y la buena conservación de la pintura al óleo.

Esta técnica vuelve el color más leve, más dulce y delicado y propicia transiciones y esfumados más fáciles, ya que mientras se trabaja los colores se funden y se unen unos a otros con más facilidad.

Otras técnicas

Cuando el soporte es el papel, las técnicas más apropiadas son la acuarela y el gouache que utilizan el agua y la goma arábiga como aglutinante, y el pastel, que utiliza pigmentos en polvo diluidos en goma arábiga en forma de barritas compactas mediante los cuales el color se aplica directamente sobre el papel. Durante mucho tiempo se han considerado técnicas menores, pero grandes figuras del arte contemporáneo, como Turner y Kandinsky, han realizado grandes obras con acuarela.

A partir de mediados del siglo XX con el expresionismo abstracto, se comenzará a utilizar la pintura acrílica que es flexible, seca rápidamente y resiste bien los agentes atmosféricos, convirtiéndose asimismo en símbolo de modernidad.

Algunas tendencias como el arte matérico creen superficies pastosas por medio de la adicción de diferentes elementos a la pintura.

El collage

A partir de 1912, Picasso i Braque pegaban al lienzo papeles de diario. El collage fue una de les grandes aportaciones de las vanguardias de principios del siglo XX y abre la puerta a la experimentación con los valores táctiles y las texturas, introduciendo en el cuadro fragmentos de realidad en lugar de representarla.

El grabado

No es una técnica pictórica, es un medio de expresión gráfica que permite obtener una tirada en serie limitada de una misma obra. Básicamente consiste en crear un modelo sobre plancha que después se entintará para pasarlo a papel. Si la plancha es de madera, hablaremos de xilografía; si es de piedra, estaremos ante una litografía; y llamaremos aguafuerte o calcografía al grabado en metal.

EJEMPLOS:

PINTURA AL FRESCO. CREACIÓN DE ADÁN. CAPILLA SIXTINA. MIGUEL ANGEL.

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El gran genio del renacimiento que es Miguel Angel Buonarotti pintó el techo de la capilla Sixtina del Vaticano con frescos maravillosos de temas religiosos. El más conocido es este de la creación de Adán, donde Dios Padre, volando sobre una nube rodeado de ángeles se dirige a insuflar vida al primer hombre. Las manos son lo más expresivo de toda la composición si bien conviene hacer hincapié en el potente y vivo colorido, la terribilitá (energía, enfado) de los personajes, las anatomías voluminosas y musculosas y la perfección del dibujo.

Notarás que la pintura está directamente aplicada sobre el muro (se ven las grietas) y ello se logra con un aglutinante que fije la pintura sobre la superficie, normalmente es clara de huevo. Pintar al fresco exige mucha minuciosidad y planificación porque no permite rectificaciones y un gran desgaste físico por tener que pintar en posiciones forzadas (techos) y sobre andamios. En la antigüedad, la técnica del fresco era la más utilizada, los hay en Creta, Grecia, Egipto, Roma, etc.

ACUARELA. VELERO LLEGANDO A PUERTO. J.M.W. TURNER.

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La acuarela es una técnica pictórica en la que los pigmentos utilizan como base el agua. Quien pinta acuarelas debe mojar el pincel primero en agua y después impregnarlo de color. Este principio acuoso impide a las obras hechas así dotarse de contornos nítidos o de detalles de pequeño tamaño. Enseguida notamos si una obra es acuarela porque los contornos son extraordinariamente difuminados y los colores no consiguen unos tonos muy vivos.

Todo esto, que aparentemente es limitante para el artista, tiene también sus ventajas. Tal vez la más notable es que la acuarela puede reflejar magistralmente ambientes vaporosos y difuminados. Paisajes y marinas se prestan muy bien para ser plasmadas en acuarela. Se logra un ambiente sugerente y romántico que al espectador le hace imaginar cosas.

Observa en este cuadro que entre un torbellino de luces blancas, anaranjadas y amarillas avanza poderosamente hacia el puerto un velero de dos mástiles, impulsado por el viento que hincha sus velas. El mar es amenazante, negro e impenetrable y parece querer tragarse el velero. Esta negrura sólo es rota por el reflejo del sol de atardecer sobre las aguas. La sensación de vaporosidad y falta de objetos tangibles hace que esta escena nos haga imaginar lo que queramos, pues la propuesta de Turner tiene tal fuerza expresiva, que somos invitados a soñar.

TEMPERA. EL MUNDO DE CRISTINA ANDREW WYETH.

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La tempera es otra técnica con pinturas a base de pastel y, al ser pigmentos muy densos, permite marcar con gran nitidez los contornos y los detalles compositivos. Además los colores resultan muy vivos y con muchos matices y las superficies son extraordinariamente homogéneas.

En este “Mundo de Cristina” el pintor realista Andrew Wyeth nos recrea un ambiente inquietante sobre la realidad del ser humano y sus temores. La chica paralítica, Cristina, vecina del pintor, está echada sobre la hierba tratando de arrastrarse hasta su casa, muy lejana al fondo. Ella solía desplazarse así por el campo de hierba llevando ramitos de flores y eso impactó a Wyeth. Está vestida con un traje rosa y muestra unos brazos y unas piernas muy débiles. Los negros cuervos revolotean sobre estas viviendas, cuya estética nos recuerda la siniestra silueta del motel de Norman Bates en la película “Psicosis” de Hitchkock. El paisaje desolado hace pensar en la soledad del ser humano y en su desvalimiento frente a su propia trascendencia y sus limitaciones. Es magnífica la distribución de masas y la incidencia de la luz. La técnica de la tempera (pigmentos mezclados con huevo) aporta un suave acabado al cuadro y un eficaz realismo. Esta obra maestra nos deja pensativos y melancólicos pues nos enfrenta a una triste y frecuente realidad, la del sufrimiento de nuestros semejantes y nuestra escasa sensibilidad hacia ellos.

ÓLEO. GRANJA DE PROVENZA. VINCENT VAN GOGH.

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Tal vez la técnica del óleo es la más conocida en pintura desde el siglo XV. Fue inventada por los pintores flamencos de aquella época (Van Eyck, Van Der Weyden, etc) y su base es el aceite. El óleo tiene indudables ventajas sobre las demás técnicas, logra colores muy potentes en sus tonos, marca con gran nitidez las líneas y los contornos, permite rectificaciones (arrepentimientos) pintando encima de lo erróneo y cada artista puede mezclar libremente los colores en su paleta hasta conseguir sus propias tonalidades o bien elige si aplica el óleo muy pastoso o más diluido.

Las mayor parte de las obras pictóricas desde hace 500 años hasta ahora son óleos sobre lienzos (telas).

El paisaje rural tradicional de la Provenza francesa es protagonista de esta relajante vista de Van Gogh realizada durante su estancia en esta región del Mediterráneo francés. Una senda conduce a una puerta metálica encuadrada entre pilares y un murete curvo emboca hacia esa entrada. Trigales y flores silvestres jalonan el primer término, donde un campesino se encuentra de espaldas a nosotros realizando las labores agrícolas. Las casas de la granja aparecen detrás rodeadas por grandes amontonamientos de heno.

Las pinceladas no son homogéneas, las hay grandes y densas en las amapolas y pequeñas y puntiformes en los árboles del fondo.

SOPLADO Y TAMPONADO. CUEVA DE ALTAMIRA.

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En la prehistoria no se conocían ni el óleo, ni la acuarela, ni la tempera ….la única posibilidad que conocían al pintar era aplicar los pigmentos (óxidos, polvo de carbón, etc) sobre la pared mediante soplado (tipo cerbatana) o tamponado (un tampón de fibras vegetales golpeando la pared para fijar los pigmentos). La humedad de la caverna hacía el resto al mantener pegados los colores a la pared.

En el arte rupestre franco-cantábrico (sur de Francia y Cornisa Cantábrica española) las pinturas son polícromas, no forman escenas sino que son animales independientes y a veces superpuestos. Casi no aparece la figura humana. No se representa movimiento, las figuras son muy realistas y cada cueva muestra cierta especialización en una determinada especie (Altamira bisontes). Las figuras están en lugares apartados y recónditos. Todo indica que las cuevas eran como santuarios dedicados a ritos mágicos para propiciar la caza. Probablemente el brujo era el propio pintor. Ante estos prodigiosos bisontes, llenos de elegancia y de fuerza, fruto de una enorme maestría e imaginación, cabe preguntarse si los hombres del paleolítico eran, como algunos piensan, brutos, toscos y salvajes.

DIBUJO SOBRE CARTEL. YVETTE GUILBERT. TOULOUSE-LAUTREC.

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Bodegón

Publicado 12 diciembre 2013 por departamentodedibujo
Categorías: Claroscuro

Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales (animales, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado. Esta rama de la pintura se sirve normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.

Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVIII, el bodegón da al artista más libertad compositiva que otros géneros pictóricos como el paisaje o los retratos. Los bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían un simbolismo religioso y alegórico en relación con los objetos que representaban. Algunos bodegones modernos rompen la barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, usando asimismo objetos encontrados, fotografía  , gráficas generadas por ordenador o sonido y vídeo.

PRIMERA PARTE DE TRABAJOS PARA ENTREGAR EN LA PRIMERA EVALUACIÓN

Publicado 25 noviembre 2013 por departamentodedibujo
Categorías: TRABAJOS DE ALUMNOS

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Dos ejemplos de redes modulares

Publicado 25 noviembre 2013 por departamentodedibujo
Categorías: Polígonos estrellados, REDES MODULARES, Trazados geométricos

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Redes modulares

Publicado 4 noviembre 2013 por departamentodedibujo
Categorías: REDES MODULARES, Trazados geométricos

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https://segundoepv.files.wordpress.com/2013/11/c6b69-simetria.jpg

– Presentación general del tema.

– ESTRUCTURAS MODULARES BIDIMENSIONALES

-Ejemplos de módulos:

 

http://www.youtube.com/watch?v=-wY2VrOlNXs

Escher, el artista holandés que trabajó de forma obsesiva los módulos, las redes modulares, los efectos cinéticos y tridimensionales.

http://www.youtube.com/watch?v=VcLf7lKl9p4#t=93

– La película Escher: Sky and Water, en varios capitulos, también nos muestra la obra, animada, del artista holandés.

http://www.youtube.com/watch?v=D32XQLIUcgI

Victor Vasarely

http://www.youtube.com/watch?v=kaMl8ri_dP8#t=364